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Blame! Master Edition 1, de Tsutomu Nihei

Blame! Master Edition 1

Blame! Master Edition 1Cuando se habla del futuro de la Tierra siempre me viene a la cabeza una imagen muy elocuente que aparecía en el libro El universo en una cáscara de nuez. En ésta se mostraba una Tierra al rojo vivo y millones de humanos tocándose hombro con hombro. El tema que trataba Stephen Hawking en el capítulo en el que aparecía dicha imagen era el futuro de la especie humana. El abanico de posibilidades que se revelaba intentaba ser lo más optimista posible, pero también realista. Según el autor, el crecimiento exponencial no solo de la población sino también de la tecnología y la dependencia que esta tenía de la electricidad nos llevaría a un mundo de súper población extrema que gastaría ingentes cantidades de energía, consiguiendo que el planeta azul se tornara rojo. Y un pensamiento lleva a otro además de a todas esas incógnitas que orbitan a su alrededor. ¿Si llegamos a ese extremo, a ese punto de no retorno, qué soluciones existen? Vale, aquí es cuando entra en escena La Esfera de Dyson.

Imaginad una megaestructura esférica; grande no, ni siquiera titánica, más bien de tamaño astronómico. Eso significa que el radio de esa construcción sería equivalente, como mínimo, al de una órbita planetaria. Sí, ahora empezáis a tomar conciencia real de su tamaño. Su interior sería hueco con el objetivo de envolver a un sistema planetario, en nuestro caso: El Sistema Solar. El objetivo de esta obra de ingeniería que escapa a la imaginación humana sería aprovechar al máximo la energía del Sol, ya que ahora mismo solo recibimos una pequeña porción. Ahora ya sabéis qué es una Esfera de Dyson. También debéis saber que de momento es un tipo de construcción inviable para ser llevada a cabo por la raza humana. Todo ello forma parte de un ejercicio mental que propuso en 1960 el físico Freeman Dyson para especular sobre la vida a largo plazo de las civilizaciones y cómo estas civilizaciones, de existir, podrían ser descubiertas mediante patrones de consumo desde largas distancias.

Así pues, las Esferas de Dyson, por el momento, no existen. Pero no lloréis, pues una idea tan jugosa no podía pasar desapercibida por la comunidad de escritores de ciencia ficción. Blame! Master Edition 1 de Tsutomu Nihei forma parte de esa lista de obras que han tomado ese concepto como base para relatar una historia.

Empezamos Blame! cruzando un puente de metal del cual apenas se puede ver el final. Cruzándolo hayamos a dos personas. Killy es un muchacho que hace años que vaga por un mundo de acero y hormigón en busca de un humano que tenga todos los cromosomas intactos. A su lado camina un niño que parece ser ese humano que andaba buscando. Pero ha habido tantos antes… Enseguida se cruzan con un tercer personaje: un ser mitad humano mitad máquina. Es en este punto cuando la aventura comienza y la historia se llena de interrogantes: ¿Quién es realmente Killy? ¿Qué es lo que realmente está buscando? ¿Qué fue de la raza humana? ¿Qué lugar es ese en el que existen cientos, miles, millones tal vez de salas, pasadizos y escaleras que parecen no llevar a ninguna parte? La única forma de averiguarlo es seguir los pasos de Killy.

Blame! es un manga de ciencia ficción con claras inclinaciones hacia la acción desenfrenada. Aquí las imágenes mandan; y el caso es que es literal. Puedes llegar a pasar más de una veintena de páginas sin encontrar un solo bocadillo, y cuando lo hay es para aclarar algún término, situación o para dar contexto al relato. Si bien es cierto que la mayoría de veces seguimos al solitario personaje protagonista, del cual no sabemos ni siquiera sus pensamientos más profundos. Sí averiguaremos un poco de su pasado mediante flashbacks que de tanto en tanto se irán sucediendo.

Dice el refrán que una imagen vale más que mil palabras, y Blame! hace honor con creces a este dicho popular. Toda la narración recae en la parte visual, y por suerte esta es notable. El dibujo de Tsutomu Nihei es de un estilo que recuerda al boceto: líneas rabiosas, furibundas, que crean rostros angulosos y cabellos lacios, o rayas desenfrenadas que forman entramados para engendrar sombras y mundos tenebrosos. El diseño de personajes es variopinto, pasando de los simples humanos a todo tipo de seres robóticos, biomecánicos, cíborgs o androides. Algunos parecen extraídos directamente de una película de terror. No es de extrañar pues que muchos de ellos den grima y mal rollo por igual, algo que casa a la perfección con el ambiente de soledad y desesperación que encontraremos en cada página.

El primer volumen de Blame! Master Edition publicado por Panini Cómics nos enseña, nos insinúa, lo que puede llegar a ser una gran aventura en un mundo distópico, futurístico y tremendamente oscuro. Un primer volumen, en una edición de lujo, que sirve de introducción, que sobretodo nos muestra a algunas de las monstruosas y robóticas razas que pueblan y dominan el mundo pero que deja con muchas incógnitas y con ganas de más, algo que solo podremos solucionar si le seguimos la pista a Killy hasta el segundo volumen de Blame!

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Samurai 7 volumen 2, de Akira Kurosawa y Mizutaka Suho

samurai 7 volumen 2

samurai 7 volumen 2Nos encontramos en una época salvaje, en una en la que la vida de los hombres vale menos que un puñado de dólares y la supervivencia depende de la velocidad con la que desenfundes tu revólver y la sangre fría con la que dispares al hombre que tienes enfrente. La época en la que algunos hombres osados y rebosantes de fe volcaban todas sus esperanzas en encontrar una pepita de oro y otros, los verdaderos nativos del lugar, defendían su territorio con lanzas y flechas. Es el Salvaje Oeste. El de los pioneros y el de los forajidos. El de Buffalo Bill y Billy “el niño”. Es en este marco, único e incomparable, de la historia de los Estados Unidos de América donde hallamos a Chris Adams: un pistolero excelente con un marcado sentido de la justicia. Ahora dispara, una y otra vez, contra los malhechores que entran en bandada en el pueblecito. A su lado su mejor amigo Vin, al igual que los otros cinco hombres que reclutó, hace lo propio. Pese a sus dudas, Adams no se arrepiente de ser uno de los siete pistoleros que están defendiendo ese pueblecito y a sus humildes habitantes de la sanguinaria banda de maleantes que los atemorizaba.

Si el argumento que he relatado en el párrafo anterior os suena de algo es, posiblemente, porque habéis visto Los siete magníficos: uno de los mejores westerns que ha parido la industria cinematográfica. Aunque también pudiera ser que os haya hecho pensar en otra época igual de violenta y en siete guerreros igual de valerosos. Si vuestro instinto os ha guiado hasta Los siete samuráis de Akira Kurosawa sentíos orgullosos. Los siete magníficos dirigida por John Sturges y con un reparto de actores de lujo (con grandísimos como Yul Brynner o Steve McQueen) es la versión yanqui del film de Kurosawa.

Pero Los siete magníficos no es la única cinta que tomó como inspiración la obra maestra de Kurosawa, películas tan dispares como Bichos (sí, la de Pixar) o la saga de Star Wars también le deben mucho a esos ronin que defendieron un pueblecito de agricultores. A esa lista habría que añadir Samurái 7, una serie de animación que se emitió en 2004 para conmemorar los cincuenta años del estreno de la película en la que se basaba. Ahora, y de la mano de Panini Cómics, nos llega la versión manga de dicho anime.

Samurái 7 volumen 2 nos mete directamente en la lucha contra los villanos que tenían amedrentada una pequeña comunidad en el Japón del futuro. Un futuro en el que los humanos colonizaron el sistema solar pero que una guerra universal los devolvió de un plumazo a la época feudal. La diferencia es que ahora robots y humanos deben convivir. La última tecnología y las herramientas arcaicas. Lo moderno y lo tradicional. En este contexto futurista encontramos a Katsuhiro, Shichiroji, Kambei, Kikuchiyo, Heihachi, Kyuzo y Gorobei; siete samuráis que para proteger una aldea deberán primero enseñar a sus aldeanos a protegerse a sí mismos y a defender lo suyo.

Si el primer volumen de Samurái 7 avanzaba de forma sosegada, desgranando la historia poco a poco y poniendo en situación al lector, en este segundo volumen encontraremos una velocidad de narración vertiginosa. Lo que había que contar ya está contado; ha llegado la hora de pasar a la acción (no sin antes tener en cuenta una buena planificación militar), de luchar, de desenvainar espadas, de abatir a mechas de gigantescas dimensiones que portan armas capaces de devastar pueblos enteros; en definitiva: ha llegado la hora de conquistar la libertad.

Si en el anterior volumen ya se intuía que Mizutaka Suho se desenvolvía con mucha soltura en las escenas de acción, en este segundo volumen no deja ningún género de dudas. No son pocas las páginas en las que apenas hay un par de enormes viñetas que muestran frenéticas luchas con espada cargadas de violencia y espectacularidad. Esa lucha final bajo la lluvia es tan bella como brutal. Con todo, a pesar de que en este segundo tomo la acción toma fuertemente las riendas de la narración también hay cabida para momentos emotivos; y no serán pocos. Enfrentarse a la pérdida de los más queridos o el amor, se sumarán a la venganza, la traición y la redención formando parte no solo de la trama principal, sino también de la anterior vida de cada samurái, que será mostrada en pequeños jirones de recuerdos para poner de manifiesto las motivaciones que los han llevado a estar donde están.

Samurái 7 volumen 2 de Akira Kurosawa y Mizutaka Suho es un manga que a pesar de tener acción a raudales no deja de lado esos momentos emotivos que resultan el contrapunto perfecto de una lucha sanguinaria; es además un bello y bonito cuento sobre la amistad y la necesidad de hacer lo correcto. Así de simple.

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Samurai 7 volumen 1, de Akira Kurosawa y Mizutaka Suho

samurai 7 volumen 1

samurai 7 volumen 1Más de sesenta años después de que Los siete samuráis de Akira Kurosawa se estrenara en los cines, continúa siendo una de las mejores y más influyentes películas de todos los tiempos.

Podría pensarse que Akira Kurosawa no se esperaba que su película, con el tiempo, alcanzara tal éxito; que la crítica se rindiera a sus pies de igual forma que lo hizo el público; que llegara a estar nominada en los Oscars… Pero hablamos de un director que poseía un ego descomunal y que era capaz de llevar al límite a sus actores con tal de que una escena se mostrase en pantalla como él la veía en su mente. Baste como ejemplo la batalla final: escena bellísima y épica, clímax del filme, que no alcanza las tres horas y media de duración por unos minutos, en la que los samuráis defienden la ciudad bajo un tremendo aguacero. Escena que debería haberse rodado en verano pero que entre parones y retrasos, algunos de ellos propiciados por el desmesurado incremento de los costes, tuvo que filmarse en invierno, con el resultado de que algunos actores, después de que Kurosawa gritara ¡corten!, apenas podían moverse debido a estar totalmente ateridos de frío.

A pesar de esa media sonrisa tímida y de poseer un rostro de buenazo, no es de extrañar que algunos lo consideraran un megalómano obsesivo incapaz de aceptar el fracaso, un tipo que huía de las malas críticas (nos ha jodido ¿y quién no?) porque era incapaz de soportar la más mínima, algo que en su momento lo llevaría a intentar suicidarse. Por ello su esfuerzo infectaba a los que le rodeaban, llevándoles a entregarse en cuerpo y alma; aunque fuera en contra de su voluntad. Si el filme trataba sobre samuráis, y teniendo en cuenta que Kurosawa venía de una estirpe de estos guerreros que moraron en la época feudal de Japón, para él era un deber que el resultado fuera de sobresaliente. Así pues, sí, seguro que Akira Kurosawa sabía que Los siete samuráis sería un éxito, pues había puesto todo su empeño en que su tarea no solo llegara a buen puerto, sino que cuando lo hiciera no pasara desapercibida.

De igual forma pasa con el manga que nos ocupa hoy: Samurái 7 no pasa desapercibido.

Samurái 7, de Akira Kurosawa y Mizutaka Suho, nos cuenta a grandes rasgos la misma historia que el filme ya narró en la década de los cincuenta. Los habitantes de un pequeño pueblo, que periódicamente son atacados por una banda de villanos que expolia todos sus bienes y cosechas, envían una partida en busca de ayuda. La guerra ha acabado y, donde antes habitaban samuráis que servían con honor a su señor, ahora solo hay ronin que venden su espada al mejor postor. Por lo cual, guerreros no sobran. El problema es que los aldeanos, debido a los sucesivos saqueos, no tienen dinero con el que contratar a esos guerreros vagabundos. Tras intentarlo con algunos, ofreciendo solo comida y poco más, y tras recibir solo negativas, burlas y algún que otro insulto, aparece en sus vidas Katsuhiro. El joven muchacho, un samurái que oculta algunos secretos tras su apariencia de guerrero errante, se apiada de ellos y se encarga de reclutar a seis samuráis más; pues parece ser que con siete samuráis bien entrenados serían capaces de defender la pequeña aldea.

Como he mencionado anteriormente, este manga narra a grandes rasgos lo que ya hizo la película de Kurosawa; pero tiene sus diferencias. Y ciertamente son muy notables. La más significativa se pone de manifiesto en cuanto ves que por entre las páginas de este manga aparecen mechas, robots de toda clase, naves espaciales, ciborgs y construcciones de acero que nada tienen que ver con la época de Oda Nobunaga. Con todo, algo de esa época sí que hallaremos entre las páginas de este manga, pues este mundo futurista (retrofuturista más bien) repleto de contrastes, se mezcla con los vestuarios y las viviendas tradicionales que se podían encontrar en el Japón del siglo XVI. Por este motivo, algunos de los samuráis protagonistas de este shonen de ciencia ficción, a pesar de vestir ropajes tradicionales, portan espadas que son mitad katana y mitad arma de destrucción masiva. Elemento imprescindible cuando hay que enfrentarse a los Raiden: gigantescos robots manejados por humanos.

A pesar de estas marcadas y extravagantes diferencias, este primer volumen publicado por Panini Cómics traslada a las viñetas, con una fidelidad algo desvaída pero con admiración, la historia ya narrada en Los siete samuráis. Y lo hace gracias al idóneo dibujo de un desconocido Mizutaka Suho, que sobretodo sobresale en las excelentes escenas de acción.

En definitiva, este primer volumen de Samurái 7, a pesar de poseer un envoltorio que difiere bastante de la obra maestra de Akira Kurosawa, sigue manteniendo una chispa de ese espíritu que fluye hasta el espectador cada vez que los siete valientes guerreros empuñan sus armas.

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Assassination Classroom 18: Hora de San Valentín, de Yusei Matsui

Assassination Classroom 18 Hora de San Valentín

Assassination Classroom 18 Hora de San ValentínPágina cuatro de mi diario de lectura del manga Assassination Classroom. O página dieciocho si lo hubiera leído en el orden lógico. Pero como no lo sigo desde el principio, es lo que hay.

Querido Yusei Matsui:

Ya te vale, me la has vuelto a jugar. Con Assassination Classroom 15: Hora de la tormenta me metiste de lleno en esta historia; con Assassination Classroom 16: Hora del pasado me conquistaste por completo y prometí que te seguiría hasta el final; pero con Assassination Classroom 17: Hora de dividirse me pareció que me colaste un episodio de transición, aunque te lo perdoné porque acababa por todo lo alto. Así que aquí me tenías, deseando leer Assassination Classroom 18: Hora de San Valentín, convencida de que estaría repleto de acontecimientos decisivos. Al fin y al cabo, solo quedan tres entregas para que pongas el punto final… Pero no, desgraciadamente no ha sido así. ¿Por qué te haces tanto de rogar, Yusei?

El número dieciocho es un episodio de relleno en toda regla y ha sido otra pequeña decepción. El giro estratosférico que dio la historia en las últimas páginas del capítulo anterior se resuelve enseguida, como si fuera lo más sencillo del mundo y, a partir de ahí, la trama se deja a un lado para dar paso a una sucesión de gags en los que Korosensei muestra su lado más divertido poniendo en evidencia a sus alumnos, adolescentes con las hormonas en plena ebullición. Y, pese al cabreo inicial, confieso que me he divertido leyéndolo y me ha dado un poco de penita también. Por un lado, los chicos y chicas de 3º-E se dan cuenta de que, inevitablemente, cada uno de ellos ha de decidir qué hará con su vida cuando el curso termine, más allá de la misión que el gobierno les ha encomendado. Y, por otro lado, Korosensei vuelve a dejar claro por qué es un personaje genial y un gran profesor, principales motivos por los que me enganché a este manga. En definitiva,  a través de líos amorosos y situaciones comprometidas, este episodio solo pretende mostrar el lado más desenfadado y vulnerable de la clase de la escuela secundaria Kunugigaoka para que aún nos duela más la despedida.

Quedan tres entregas, solo tres entregas, querido Yusei Matsui. Y de verdad que espero que el desenlace del manga esté a la altura de Assassination Classroom 16: Hora del pasado, donde me demostraste de todo lo que eres capaz y disparaste mis expectativas. Pero tras los dos últimos capítulos, dudo. No sé si podría perdonarte otro episodio de relleno, pero más miedo me da que todo esto solo haya sido el prolegómeno para hacerme bajar las defensas y asestarme un golpe definitivo en la recta final. Y es que le he cogido mucho cariño a Korosensei y temo lo que le tengas preparado.

Ya ves, Yusei Matsui, aquí tienes una lectora entregada que, hagas lo que hagas, sigue pendiente de ti. Así que, por favor, pórtate bien en los próximos capítulos. La historia que has creado en Assassination Classroom lo merece.

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The Beauty, de Jeremy Haun, Jason A.Hurley y John Rauch

The Beauty

No es que yo sea muy freak de los cómics. De hecho soy cero freak. He leído muy pocos en mi vida y casi mejor que no os recuerde lo que me pasó con el manga The BeautyGorda cuando lo recibí, ¿o mejor sí? Así que partiendo de esta premisa, ya podéis haceros una idea de lo poco puesta que estoy en estos temas.

Por eso mismo, de vez en cuando me aventuro y me animo a mí misma a leer algo diferente de lo que estoy habituada. Mis motivaciones para leer uno otro cómic pasan por que el título me llame la atención o que la portada me sugiera algo. Así de simple soy. Creo que con The Beauty me pasaron las dos cosas. Además, recuerdo que leí un poco por encima la sinopsis y me quedé un poco en plan WTF?. A veces alucino con las ideas que se les ocurre a la gente. En serio, ¿qué toman para escribir esas historias?

Luego me acordé de que había visto una película que en cierto modo me recordaba al argumento del cómic. Una película muy mala, por cierto, pero es lo que tiene ser amante del género de terror, que vas a tener que ver películas muy malas hasta dar con una buena. Os prometo que si me acordara del título de la película os lo diría, pero tengo una memoria más bien maleja.

Si queréis que se os quede la misma cara que a mí os cuento un poco de qué va y luego ya vosotros decidís si os interesa leer el cómic o no, ¿va?

Resulta que en el mundo que recrean Jeremy Haun y Jason A.Hurley en este cómic, la sociedad vive completamente obsesionada con el ideal de belleza. Tampoco es algo muy nuevo, es un poquito lo que también le pasa a nuestra sociedad. La diferencia está en que en este mundo, alcanzar esa perfección es relativamente fácil: la belleza se contagia a través de las relaciones sexuales. Y sí, he dicho se contagia porque la belleza no deja de ser una enfermedad. Pero claro, la mayoría de la gente prefiere pagar el precio de contraer la enfermedad por sentirse atractivos.

Los inspectores Vaughn y Foster, pronto se dan cuenta de los efectos que la enfermedad tiene para los infectados y deciden tratar de poner fin a todo esto. Pero no iba a ser tan fácil claro: políticos corruptos, grupos pro y anti belleza, empresarios, agentes federales y hasta un terrible mercenario se verán involucrados en la trama, haciéndole la misión bastante difícil a los dos inspectores.

En este tomo podemos encontrar los seis primeros números de la serie. (No sabía que había más, pero ahora tendré que investigar).

The Beauty es una ida de olla, seamos sinceros. Una trama rara de narices con unos diálogos sucios, sin tapujos y directos y unos dibujos inquietantes. Pero, ¿sabéis qué? A mí me ha gustado. O al menos me ha entretenido, que es lo poco que le pido yo a un cómic. Así que sí, misión cumplida.

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Power Man y Puño de Hierro: Héroes de Alquiler, de VV. AA.

power man y puño de hierro héroes de alquiler

power man y puño de hierro héroes de alquilerHará cuestión de un mes que se estrenó el tráiler de The Defenders. La nueva serie de Marvel  reunirá a Daredevil, Jessica Jones, Iron Fist y Power Man; más conocido en el universo televisivo como Luke Cage. Las primeras sensaciones que me dejó tras su visionado fueron buenas. Pero cabe mencionar que, y esto es solo mi opinión personal, el carisma de Luke Cage parecía ganar enteros al aparecer arropado por sus nuevos compañeros de hazañas. El héroe de color que en sus andanzas en solitario había conseguido que no parara de bostezar y que incluso llegara a echar alguna que otra cabezadita, ahora lograba captar mi atención. Tal vez solo sea una ilusión de casi dos minutos y medio (aproximadamente lo que dura el tráiler) que se desvanecerá una vez empiece la serie. Espero que no. Este hecho me ha recordado que en la industria del cómic, en más de una ocasión, unir a superhéroes que por separado pasaban sin pena ni gloria era la solución para animar un poco a los lectores a rascarse el bolsillo, y de paso salvar a esos personajes que en algunos casos habrían caído en el olvido. Luke Cage y Danny Rand. Power Man y Puño de Hierro. Ellos fueron dos de esos personajes que al unirse generaron más repercusión que por separado. El transcurrir del tiempo convirtió sus aventuras en Power Man y Puño de Hierro: Héroes de Alquiler en una lectura a tener en cuenta.

Luke Cage era un delincuente de poca monta especialista en moverse por los bajos fondos de la ciudad; un tipo chungo que cuando entró en prisión lo hizo por un crimen que no había cometido. Allí fue utilizado como conejillo de indias para un experimento que, tras un error, le otorgó una fuerza sobrehumana y transformó su cuerpo en acero puro. Así nació Power Man. Un personaje negro, más chulo que un ocho, con un pelazo a lo afro que sería la envidia de cualquier afroamericano residente en Harlem y con una vestimenta hortera que parecía habérsela robado a los integrantes del grupo Boney M. Por otro lado tenemos a Daniel Rand que, tras la pérdida de sus padres en el Himalaya, fue adoptado por los monjes guerreros de la ciudad mística de K’un-Lun. Durante diez años se entrenó sin descanso hasta convertirse en el arma viviente, en Puño de Hierro. Ahora viste un traje que parece sacado de una peli de artes marciales de serie B y reparte justicia y venganza a partes iguales. Cuando Power Man y Puño de Hierro descubrieron que sus encuentros fortuitos se dilataban en el tiempo decidieron convertirse en emprendedores y fundar la agencia Héroes de Alquiler; convirtiéndose así en los primeros superhéroes que descubrían que el altruismo no pagaba las facturas, y en los primeros también en tener quebraderos de cabeza con el IVA y el IRPF.

Unir a Power Man y a Puño de Hierro es unir las películas de Blaxploitation (en donde el protagonista es un negro que se mueve por barrios de afroamericanos a ritmo de música funk o soul mientras reparte sopapos a diestro y siniestro entre los malos de turno) y las películas de artes marciales, en especial las de Bruce Lee. Buena mezcla, ¿eh? Si el cóctel es explosivo es gracias a la guionista  Mary Jo Duffy que consigue que la relación entre los dos personajes tenga sus tiras y aflojas. Recordemos que Luke Cage es un tipo pobre acostumbrado a los barrios humildes y que Daniel Rand es un niño rico algo inocentón que, sin maldad alguna, en ocasiones quiere solucionar problemas a golpe de talonario. Esta tensión se diluye con los momentos, muy bien medidos, de humor que consiguen que entre ellos se establezca un gran vínculo afectivo.

Y entre las risas y el mal rollo se encuentra el trabajo detectivesco. Porque en Héroes de Alquiler se dedican a eso, a patearse las calles para resolver casos de asesinatos, de robos, de secuestro, etcétera, hallando casi siempre involucrado a un supervillano que solo entrará en razón después de una buena tunda. Villanos como Dientes de Sable, el Monolito Viviente o Montenegro que en ocasiones les pondrán las cosas tan difíciles a nuestro dúo que deberán cooperar con los X-Men, Daredevil o La Hijas del Dragón, entre otros, para conseguir que muerdan el polvo.

Sin lugar a dudas Mary Jo Duffy hizo un trabajo excelente en esta etapa que Panini Cómics recoge en un tomo de 704 páginas. No se puede decir lo mismo de los dibujantes, pues aunque formó una pareja perfecta con Kerry Gammill, el cual dibujó de forma notable y con gran detallismo la mayoría de las aventuras de este tomo, algunos, como Lee Elias o Trevor Von Eeden, no pasaban de un dibujo correcto y otros, como Denys Cowan, intentando emular el estilo de Frank Miller, dejaba para la posteridad algunas viñetas de calidad paupérrima. Y ya que ha salido el señor Miller a relucir, no puedo más que recomendaros ese capítulo en el que Daredevil (solo unos pocos años antes de que el diablo de La Cocina del Infierno alcanzara la excelencia en la obra Born Again) se cruza en el camino de Power Man y Puño de Hierro.

En definitiva, Power Man y Puño de Hierro: Héroes de Alquiler es un clásico, un referente de los cómics de superhéroes de los años setenta que no deberían perderse aquellos que disfruten de una buena aventura detectivesca con su debida cuota de acción.

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Tales from the darkside. Los guiones nunca rodados, de Joe Hill

Tales from the darkside. Los guiones nunca rodados

Tales from the darkside. Los guiones nunca rodadosLa sangre llama a la sangre; el terror acecha al terror. Joe Hill escribiendo para la serie televisiva Historias del Más Allá es rizar aún más el rizo de hasta dónde puede llegar un buen relato de horror. Qué coño, tres relatos. Sin excepción.

Todo seguidor de la literatura fantástica y de terror sabrá ya de sobra quién se esconde tras el seudónimo de Joe Hill, se ha comentado en otras reseñas, pero nunca viene mal recordarlo porque además, en esta ocasión, vuelven a tener un lazo en común más allá de su relación familiar. El padre del terror moderno, Stephen King, es padre también de Joe Hill (Joseph King). Además del enorme parecido físico ha heredado una ambiciosa creatividad literaria que demuestra en sus diversos relatos cortos, novelas, cómics y en el caso que en esta reseña nos ocupa, Tales from the darkside. Los guiones nunca rodados. «Como escritor me pone y me sigue poniendo escribir para televisión», reconoce.

Pensados para ser televisados —en un fanzine dedicado al fantástico leí que el director M. Night Shyamalan se encargaría de dirigir algunos de los episodios—, el escritor Joe Hill escribió los guiones para tres historias. En un principio debía escribir guiones de veinticuatro páginas, como en los cómics, ya que se tratarían de capítulos de treinta minutos de duración. Tras la experiencia como guionista de cómics —Spiderman o Locke & Key— el encargo le resultó de lo más placentero. Escribió dos episodios y le añadió uno más largo que abarcaría un capítulo de una hora de duración y relacionaría a las tres historias. Todo estaba listo para llevarse a la pequeña pantalla, pero finalmente la cadena de televisión no terminó de llevar a cabo el rodaje por considerarlos, quizás, un proyecto muy ambicioso para lo que aquella cadena podía permitirse y nunca llegaron a rodarse. Los fans del terror tuvimos, al menos, la suerte de poder degustar esas historias en otro formato, el cómic Tales from the darkside. Para ello se contó con el dibujante Gabriel Rodríguez, que ya trabajó junto a Joe Hill en Locke & Key, y a Michael Benedetto que se encargó de adaptar las historias. Sin duda, un genial modo de poder descubrir esas historias que quedaron huérfanas.

Pero faltaba un detalle. Digamos que publican un ep con tres canciones cojonudas. La banda que toca esas canciones la forman Matt Cameron (Soundgarden, Pearl Jam), Flea (Red Hot Chili Peppers), Jack White (White Stripes) y Steven Tyler (Aerosmith). Mola, ¿eh? El disco es lo más, suena genial, pero sabes que las canciones que tocan las compusieron McCartney, Lennon, Harrison y Ringo. ¿No desearías poder escuchar la versión original de los Beatles? Pues gracias a Panini podemos. No escuchar a McCartney y a Lennon juntos, obviamente, pero sí poder leer el guión original de su creador, Joe Hill: Tales from the darkside. Los guiones nunca rodados.

Lo que he descubierto en este libro es el guión desnudo que Hill escribió para sus historias; la visión que él tenía de cómo quedarían esas imágenes en pantalla con sus fundidos, sus flashbacks, los diversos planos. Pensé que sería más tedioso de leer. Craso error. La lectura es amena, casi como un relato corto con elegantes ilustraciones y una cuidada estructura. De casta le viene al galgo se suele decir y Joe Hill ha heredado de su padre el estilo atractivo y absorbente con ciertas referencias rockeras (¿a que ahora lo de los Beatles está mejor hilvanado?) y unas situaciones muy originales en las que un evento del Más Allá desfigura la realidad de sus personajes. La versión en cómic es la muestra visible de lo que Joe Hill quería representar, pero al ser una adaptación le falta ese toque original que solo él sabe darle. Además, parte de las historias se entienden mejor en este libro con el guión completo. El libro, con un tamaño menor al formato álbum, tiene una preciosa portada con todos los personajes que conforman sus historias, las mismas que se desarrollan en el cómic adaptado.

Comentaba acerca de un lazo de conexión entre Joe Hill y su padre aparte de su relación familiar y es que Stephen King ya escribió el guión para un episodio de Historias del Más Allá y que su hijo no ha pasado por alto ni mucho menos mencionándolo y haciéndolo visible dentro de sus historias. La sangre llama a la sangre. Es por tanto este libro la versión original de esas canciones de los Beatles que nunca llegaron a publicarse y la mejor de las piezas de coleccionismo para todo lector de Joe Hill.

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Tales from the darkside, de Joe Hill y Gabriel Rodríguez

Tales from the Darkside

Tales from the DarksideMi primera lectura de historias de Joe Hill, aunque sean adaptadas, y ya me han hecho flipar.

La famosa y antigua serie de televisión que en España llegó a llamarse Historias del Más Allá se basaba en una serie de narraciones terroríficas divididas en episodios donde se exploraba lo imposible. Grandes dosis de terror cósmico u onírico que hacían temblar al espectador. En su historial quedan episodios escritos por George Romero, Clive Barker o Stephen King. En un intento por parte de las cadenas de televisión por recuperar el espíritu de aquella serie se le solicitó a Joe Hill realizar algunos episodios. Fabuloso escritor como es no dudó en aceptar y entregar su mejor producción para aquellos capítulos. Diversas circunstancias hicieron que finalmente no se pudieran llevar a cabo y esas historias quedaron inéditas guardadas en un cajón, palpitantes, esperando que llegara el momento de salir al exterior y aterrorizar a todo aquel que se cruzara con ellas. De haber sido otro autor, quizás uno con bastante menos talento, aquellas historias podrían haberse podrido en aquel cajón, pero los episodios los escribió Joe Hill, reconocimientos o creatividad innata heredada de su padre, Stephen King, aparte.

En esta ocasión, el autor Michael Benedetto ha adaptado al cómic los guiones escritos por Joe Hill. Tales from the darkside, episodios que estaban dirigidos a ser representados en aquella serie televisiva y que ahora podemos disfrutar en español gracias a la edición publicada por Panini en formato cómic. De las ilustraciones se encarga Gabriel Rodríguez, quien ya trabajó en la enorme obra Locke & Key. Poco más podría añadir al impecable trabajo de este dibujante que consigue en cada viñeta dotar de la máxima expresión posible a la historia con un trazado muy marcado en los contornos y un dinamismo muy realista de las escenas.

El tomo reúne tres episodios que guardan una relación entre ellos y los hace coexistir. El primero, llamado «Sonámbulo», juega con un extraño suceso propio de una pesadilla; tras un terrible y espantoso accidente en el que se ve envuelto el protagonista, todo aquel que le mira comienza a sufrir de narcolepsia. La historia te conduce hacia un final trágico propio de las obras de Shakespeare. El segundo es el más extraño de todos. Se llama «La caja negra» y tiene un desarrollo más largo que divide en dos partes. De nuevo une aspectos cotidianos con aquellos fenómenos que escapan a nuestra comprensión. Deja un final abierto que no es más que la idea de este universo paralelo en el que Joe Hill basa sus historias, el lado oscuro lo hace llamar. Una historia muy interesante que funcionaría muy bien dentro de algún relato corto. Ejemplo de unión de aspectos propios de la vida corriente en un barrio americano y de una chica que escucha una canción de rock en la radio de su coche mientras cede la atención al móvil en lugar de a la conducción con hechos fuera de lo normal sirve de antecedente para el tercer episodio, «Se abre una ventana», más terrorífico y siniestro, con unas viñetas llenas de acción e inquietantes personajes, dos de ellos sacados casi de una obra de Stephen King. Yo creo que son las sonrisas y la ropa, como sacados de los años cincuenta. Muy «kingniesco», sí, todo queda en casa.

¿Qué es lo que más me gusta de Tales from the darkside? La inventiva de sus narraciones, con situaciones originales y extrañas que se cuentan de un modo ameno, dinámico y que, siendo adaptaciones y no los textos originales de Joe Hill, haya conseguido convencerme para adentrarme en sus distintas obras. Una muy recomendable lectura si te gustan las historias de terror y de mundos procedentes del Más Allá que han encontrado el modo de entrar en nuestro mundo y no con buenas intenciones.

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Doctor Extraño: El juramento, de Marcos Martín y Brian K. Vaughan

Doctor Extraño: El juramento

Doctor Extraño: El juramento

Hay que decirlo: el Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle es uno de los personajes más carismáticos de la historia de la literatura universal. Su inteligencia e intuición desbordantes hacen que nos enamoremos de él, pese a su soberbia (o quizá incluso esa soberbia sea un factor más que hace que le apreciemos, porque es engreído pero tiene motivos de sobra para serlo). Y por eso se le han hecho numerosos homenajes al mítico personaje, desde utilizar rasgos suyos para otros roles, como House, ese médico gruñón y antisocial que podía diagnosticar cualquier enfermedad por rara que fuera, a resucitar la obra de Doyle una y otra vez, dando vida al propio Sherlock en series y en películas, tanto en la Gran Bretaña como en Estados Unidos.

Uno de esos personajes basados en la obra de Doyle es El Doctor Extraño, superhéroe de la factoría Marvel. Nos encontramos ante un cirujano de notable éxito, que tras haber sufrido un accidente queda con los nervios de las manos destrozados, lo que le impide ejercer su profesión. En su búsqueda por una cura, llega a encontrarse con El Anciano, de quien aprenderá los secretos de la magia hasta convertirse en el Hechicero Supremo de la Tierra.

En este tomo, Doctor Extraño: El juramento, nuestro protagonista conoce a la Enfermera de Noche; el propio Extraño reconoce que ese título parece más el de una protagonista de películas de adultos que de una heroína, lo que le lleva a apodarla como Whatson, cerrando así el círculo al homenaje de la obra de Doyle.

Es curioso que los cómics sean considerados por muchos literatura menor; esta obra tiene una manufactura de lujo, con sus tapas duras, su papel satinado a todo color y su encuadernación de calidad, por un precio de 15€. Todo un logro que hay que reconocerle a Panini Comics. Las ilustraciones del excepcional dibujante español Marcos Martín que acompañan a cada escena nos meten completamente en una historia que está muy bien tejida, con un ritmo intenso y un guion de lujo, obra de Brian K. Vaughan, ganador del Premio Eisner. La historia se me ha hecho muy corta, y la he disfrutado tanto como disfrutaría una buena película en el cine. Este cómic tiene todo lo que se puede pedir a una gran historia de superhéroes: explosiones, monstruos gigantescos, magia, humor, dilemas morales y la constante lucha del bien contra el mal.

El Doctor Extraño es un digno heredero de Sherlock Holmes. Y si bien es la magia lo que les diferencia, veremos que en muchas ocasiones esa magia que podría convertir a Stephen Extraño en un ser todopoderoso (y aburrido), no le sirve para resolver los problemas que se le plantean, y tendrá que tirar de ingenio, ayuda o incluso de la fuerza física para resolver sus problemas. Y siempre aderezado con un sentido del humor agudo y muy refinado. Un gran cómic para conocer a este personaje clásico de la factoría Marvel.

 

 

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Assassination Classroom 17: Hora de dividirse, de Yusei Matsui

assassination classroom 17Mi relación con Assassination Classroom se ha convertido en un diario de lectura público, porque es la tercera vez que os hablo de él. Suerte habéis tenido de que no comenzara a leerlo desde el primer número… Como no quiero repetirme, os dejo enlazadas mis reseñas de Assassination Classroom 15: Hora de la tormenta y Assassination Classroom 16: Hora del pasado, por si aún no sabéis nada de este manga, y paso a comentaros qué me ha parecido Assassination Classroom 17: Hora de dividirse.

Si la anterior entrega me encantó, pues en ella se revelaban incógnitas clave de la trama y había grandes dosis de amor, acción, crítica social y drama, este último capítulo me ha parecido de transición. Incluso su autor, Yusei Matsui, lo reconoce, de ahí que la portada sea amarilla, el color de las medias tintas, el que aparece cuando empieza a desvariar, según él. ¿Qué se le va a hacer? Todas las series —o sus creadores— necesitan esos momentos. Pero que sea de transición no quiere decir que no pase nada, ya que la clase de 3º-E de la escuela secundaria Kunugigaoka rompe la baraja y da un paso decisivo para encarar la recta final de la historia.

Tras conocer el pasado de su profesor, algunos alumnos se niegan a seguir adelante con la misión de asesinarlo, mientras que otros creen que deben hacerlo de todos modos. No es una cuestión de odio —¿quién podría odiar a ese encantador monstruo que ha hecho tanto por ellos?—, sino de principios. Os recuerdo que si Koronsensei no muere, el mundo entero será destruido, así que es una decisión vital; y todos, tanto los que quieren matarlo como los que quieren salvarlo, creen firmemente que su postura es la mejor para el bien común. Aunque también saben que la fuerza de la clase reside en su unión y que, si no se ponen de acuerdo, serán ellos mismos los que pierdan todo lo que han ganado a lo largo del curso. Así que Korosensei plantea un ejercicio para resolver el dilema: que pongan en práctica en una batalla de paintball las artes de asesinato aprendidas en el último año  y que la postura del equipo vencedor sea asumida por toda la clase. Y es que, como bien sabe Koronsensei, cuando uno lucha por defender sus principios es cuando da lo mejor de sí; y eso es, al fin y al cabo, lo que quiere que aprendan sus alumnos.

Para los que les guste la acción, en Assassination Classroom 17: Hora de dividirse hay muchísima, ya que gran parte del capítulo se centra en la batalla, mientras que la trama permanece estancada hasta las páginas finales, donde la historia da un giro estratosférico. Y hasta aquí puedo contar. Quedan cuatro entregas para saber cómo acaba el manga, y después de este capítulo de transición, creo que el siguiente vendrá cargado de nuevos descubrimientos y avances importantes, ya que Yusei Matsui sabe cómo dosificar la emoción. Así que espero que Panini no tarde en publicar el capítulo 18. Seguiré contándoos mi diario de lectura de este imprevisible manga en la próxima reseña de Assassination Classroom.

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La sensacional Hulka, de John Byrne

la sensacional hulka

la sensacional hulkaDurante los años 90 siempre andaba enfrascado leyendo con fervor a la Patrulla X. Tipos muy serios con garras o con poderes mentales que se las veían con los villanos más letales de la Marvel. Poco después Hulka llegaría a mi vida. He de reconocer que sus aventuras no cuajaron del todo en mi mente de adolescente circunspecto que todavía no consideraba el humor como una de las partes más importantes y esenciales de la vida. Sí puedo afirmar que el dibujo de John Byrne me encandiló. Gran parte de esa atención se la llevó la fémina protagonista. Mis hormonas desbocadas de adolescente se encabritaron ante la visión de aquella mujer alta, de piel esmeralda, poseedora de curvas sinuosas, de músculos poderosos y de un buen par de…

<< ¿Un buen par de qué?>>

Espera… ¿Hulka? Iba a decir de ojos. ¡De ojos!

<<Ah vale, ten en cuenta que la Comics Code Authority podría censurar esta reseña. >>

No creo que esa asociación de puritanos tenga potestad por estos lares, Hulka. En esta web tenemos libertad de expresión. ¡Ay, no saben lo que hacen! Como iba diciendo, por aquel entonces no supe valorar al 100% lo que las páginas de la serie La sensacional Hulka atesoraban. Pero muchas lecturas después, y cierta madurez lectora, me dieron una nueva perspectiva para, por fin, apreciar lo que John Byrne había hecho: subvertir las típicas normas de la narración y crear un personaje único e inimitable. Pero antes de proseguir, mi única pregunta para todo aquel interesado en este impecable tomo es la siguiente: ¿Qué tal vais de humor? Ya que en La sensacional Hulka éste es el motor que propulsa sus aventuras.

<< ¡Hey, hey! Para el carro chaval. En mis aventuras también hay acción. Como cuando peleo a muerte contra Titania. ¿Y qué me dices del enfrentamiento a tortazo limpio contra el cabeza hueca de Mahkizmo?>>

Nada que objetar. Pero deberías reconocer que no todos los lectores, incluso a día de hoy, están acostumbrados a que un personaje, ya sea de cómic o de libro, atraviese la cuarta pared. Y es que Hulka lo hace, no solo en cada una de las portadas (mención especial para esa en la que parodia la portada de Vanity Fair en la que Demi Moore aparecía embarazada), sino también a lo largo de sus andanzas. Así pues no es de extrañar que Hulka se enfrente con el autor cada dos por tres para echarle en cara que se esté volviendo un poco vago al dibujar (autocrítica que se hace el propio autor por esos fondos que en alguna ocasión descuidó) o cada vez que la dibuja en poses absurdamente sexys (burlándose así de los artistas que abusaban de ese tipo de poses). El nivel de meta literatura en este cómic es tal que el propio Byrne llega a pasearse por sus viñetas (y a “despedirse” en un número especial que es una verdadera delicia), así como la editora Renée o el jefe de editores Tom Defalco. ¿Y qué ocurre cuando un personaje de cómic sabe que es un personaje de cómic?

<<Pues que puedo saltar entre viñetas, romper páginas que el graciosillo de Byrne ha dejado en blanco o rasgar otras para huir de lugares en los que parecía no haber escapatoria posible. Además comento con mis lectores si las subtramas están a la altura y cuantas páginas le queda al cómic que están leyendo para finalizar. ¡Y en ocasiones hasta saco la edición definitiva del universo Marvel para consultar las particularidades de algunos de mis enemigos! En definitiva: soy la bomba chaval. >>

Nunca dije lo contrario. Pero ya que has sacado a colación los villanos que pueblan La sensacional Hulka, debería comentar que a lo largo de las más de 750 páginas del tomo veremos lo mejor y más granado de la Marvel en lo que se refiere a este aspecto.

<< Te referirás a los villanos más cutres, ¿no?>>

Bueno, yo…

<< ¿Qué tiene de ilustre El Zancudo?>>

Ejem…

<< ¿Y el Doctor Bong? ¿Un tío con cabeza de campana capaz de alterar lo que se emite en televisión? Venga, por favor…>>

Ese capítulo en cuestión es una genialidad. Pues John Byrne emula los inicios de algunas series como Los 4 Fantásticos. En el número cinco de esa serie aparecía Doctor Muerte (Doctor Doom en inglés) así que aquí recuperó un villano con un nombre que fonéticamente se le pareciera y con una vestimenta que, bueno… con los ojos entrecerrados puede semejarse.

<<Lo que yo decía. >>

Pero no debería extrañarnos, pues desde un principio Byrne deja bien claro que va a utilizar los enemigos más penosos y lamentables (la hez de la hez) que haya parido Marvel para reírse de los tópicos de la editorial. Sin duda un agradable soplo de aire fresco que en su momento no se valoró (probablemente por plantear conceptos demasiado adelantados a la época), pero que ahora cobra más sentido que nunca en una serie que buscaba reírse de sí misma. Apta sobre todo para lectores libres de prejuicios. Por otro lado, no son pocas las estrellas invitadas que se pasean por las viñetas de este cómic: Spiderman, Los 4 Fantásticos, una versión muy particular de Los Simpson o Los Picapiedra, Robocop e incluso Mapache Cohete, unos de los integrantes del grupo que lidera Star-Lord en Guardianes de la Galaxia.

<<Mmm…Lo de Guardianes de la Galaxia, y con el volumen 2 en cines, lo has puesto para recibir más visitas ¿verdad?>>

Me declaro culpable.

<<Sí, sí, todo lo que has dicho está muy bien, pero casi no has hablado de lo maravillosa que soy yo, la prota. >>

Algo de razón tienes, porque si hay una cosa que hace único el cómic de La sensacional Hulka, es la Hulka que Byrne concibió. Y no me estoy refiriendo a esa belleza, digna de una diosa, que le otorgó a través de sus lápices, sino a esa compleja personalidad que se va moldeando con cada disparatada situación a la que se enfrenta. Hulka además es una mujer independiente, provocativa, contestona, ocurrente, hace lo que le da la gana, viste como una modelo y no depende de ningún hombre.

<<Bueno, a Wyatt Wingfoot, mi chico, sí que lo necesito para…>>

Vale, vale, lo hemos pillado.

Añadidle a todo lo anteriormente mencionado que la edición de Panini Cómics de La Sensacional Hulka no solo recoge toda la etapa de Byrne con la Amazona Esmeradla, sino que también reúne la novela gráfica, entrevistas que éste concedió y un relato creado por Chris Claremont y Alan Davis. Un tesoro de tapa dura imprescindible en la estantería de todo buen amante del noveno arte.

<< Y si no lo compráis iré a vuestra casa y os quemaré toda la colección de cómics. >>

No lo digo yo. Lo dice Hulka.

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Arma X, de Barry Windsor-Smith

Arma X

Arma X“Magneto me arrancó el adamántium del cuerpo. Mi factor de curación es casi inexistente…” Así empieza el número 65 de Lobezno de la etapa guionizada por Larry Hama. Un cómic de grapa, de principio de los años 90, que he tenido que rescatar de mi vieja, irregular y variada colección, para poder refrescar algunos de mis vagos recuerdos. El cómic en cuestión es de esa época en la que Cómics Forum era el sello editorial encargado de traernos todas esas historias narradas por la factoría Marvel; esa misma época en la que todavía se les llamaba tebeos y que completar una colección era una tarea harto complicada, pues dependías del típico kiosco cutre de barrio, o de librerías especializadas en prensa que, normalmente, traían cómics de tanto en tanto para rellenar estanterías. Cómics que en muchas ocasiones compartían espacio con pornografía (la X los debía confundir) o revistas del corazón. Las tiendas físicas especializadas en cómics no abundaban, e internet, todavía en pañales, daba sus primeros pasitos hacia un mundo de oportunidades. Si a todo lo anterior le añadimos que por aquel entonces yo era un chavalín que dependía de la paga que le daban sus padres, podréis entender el porqué de una colección tan variada e irregular. Coleccionar cómics, por aquel entonces, era una aventura solo apta para comiqueros perseverantes dotados de una desarrollada habilidad de rastreo.

Pero antes de que continúe divagando, y me pierda en las batallitas de un friki veterano, me gustaría retomar el hilo principal, que no es otro que el adamántium de Lobezno. Ese material indestructible que recubre por completo el esqueleto del mutante y que unido a su factor de curación lo hace prácticamente inmortal. Siendo un impúber yo pensaba que formaba parte de la mutación de Logan. Pues tras haber leído un buen puñado de cómics de La Patrulla X y de los Classic X-Men, aquel tipo canadiense bajito y con malas pulgas seguía siendo para mí un enigma por resolver. Era, entonces, una etapa de insinuaciones más que de aclaraciones. No fue hasta el cómic con el que he abierto esta reseña, y tras un comentario que hacía Yuriko, más conocida como Dama Mortal, que descubrí que tras el esqueleto de Logan había un experimento. “¿Qué ha sido del proceso de mi padre? ¡No podía ser invertido!”

Ese proceso había sido explicado dos años antes, y el padre de Yuriko nada tenía que ver con él. Sí, también fue una época de cierto desbarajuste en las líneas argumentales. Barry Windsor-Smith fue el encargado de desentrañar, con pelos y señales, sin dejarse nada en el tintero, una de las etapas más trágicas del mutante más carismático de los X-Men. El cómic, al igual que el experimento, se llamó Arma X y borraba de un plumazo aquel halo de misterio que había envuelto a Lobezno durante tanto tiempo.

Arma X inicia con un Logan que se tortura a si mismo por lo que es, y por el desprecio que los demás sienten hacia su persona. Se pasa el día bebido, se mete en peleas de bar y malvive en una pensión de mala muerte. Una noche, saliendo de un bar en aparente estado de embriaguez, es secuestrado. Logan dejará de ser Logan. Los científicos se encargarán mediante diferentes pruebas de convertirlo en una bestia; un ser sin remordimientos, sin conciencia. Intentarán de forma brutal, arrancarle aquello que todavía lo hacía humano, y todo con el fin de convertirlo en un súper soldado; un arma que sea implacable e invencible en el campo de batalla. El arma perfecta.

Arma X no es la típica historia en la que Lobezno se las tiene que ver con un enemigo. Arma X es la crónica de un experimento, de todas las perrerías que se le hicieron al sujeto de pruebas. Pruebas inhumanas, dignas de la mente de un científico chiflado y sin escrúpulos. No solo experimentan, a todos los niveles, con el cuerpo de Logan, sino que lo hacen también con su mente. Situaciones que crean una línea directa de empatía entre el lector y el pobre conejillo de indias humano. Es inevitable sentir lástima por Logan y rabia por los científicos de moral disoluta que, a pesar de las muestras de dolor que manifiesta el individuo, deciden llevar su tortura hasta niveles abominables. “Así que puede sentir lo que le estamos haciendo, ¿no? La mayor parte sí. El pobre bastardo se está retorciendo de dolor.”

Con Arma X Barry Windsor-Smith se convirtió en Juan Palomo “yo me lo guiso yo me lo como”, pues no solamente se encargó del guion, el dibujo o el color, sino que su nivel de involucración en el proyecto fue tal que lo llevó a dibujar las portadas o a incluso ocuparse de parte de la rotulación. Y si de la extraordinaria parte gráfica hay que destacar algo, es sin duda la capacidad del autor para mostrarnos a un Lobezno brutal, más animal que persona, con un estilo que mezcla los cómics clásicos de los 70 y 80. Pétreos músculos, tendones marcados, venas inflamadas, dientes afilados, salpicaduras de sangre; nunca habías visto así antes a Lobezno. Nunca habías visto a un Logan tan fiero y sanguinario. Nuestro querido mutante convertido en un monstruo que transmutará, a golpe de zarpa, una historia de ciencia ficción en una de terror (entre Frankenstein y Alien) mientras se pasea, con la única vestimenta que le ofrecen un casco futurista y unas baterías colgando de su cintura, por una estación científica repleta de soldados; o bajo la nieve, momento en el que nos será revelado que la brutalidad en ocasiones puede alcanzar a la belleza.

Esta última edición que nos trae Panini Cómics de Arma X , además de gozar de una calidad visual increíble, es una magnífica oportunidad para conocer muy de cerca ese experimento que ya forma parte no solo del esqueleto y la psique de Logan, sino también del imaginario de todos los fans del mutante.

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